"Nobody was ready for Cassandra Wilson to die today".
Der US-Jazzpublizist Nate Chinen trifft den Punkt: außerhalb des engsten Familienkreises sei niemand auf diese Nachricht vorbereitet gewesen (zumal keine Todesursache mitgeteilt wurde).
Auch Ted Goia ist zuzustimmen, dies sei der Tod "einer der größten Jazzsängerinnen".
Die Suggestivkraft der Nachricht überblendet in der Tat die eigene Rezeption, die - man muss nun wirklich nachschlagen -, in den letzten Dutzend Jahren nicht von großem Entzücken geprägt war.
Stellvertretend ein Album aus einer ganzen Talsohlenstrecke, nämlich „Another Country“ von 2011, womit nicht das Musikgenre angesprochen war, sondern der neben New Orleans zweite Aufnahmeort, nämlich Florenz in Italy, vulgo in „another country“.
„Das Problem dieser Sängerin“, so meinten wir damals die Flaute zu erklären, „bleibt ihre Abhängigkeit von starken Produzenten, die ihr die Richtung weisen, in welche sie ihre beachtlichen Künste ausrichten soll.“
Und deren hatte sie mehrere zu Beginn ihrer Karriere. Angefangen mit dem Münchner Stefan Winter, der sie behutsam aus dem Kreis um den Saxofonisten Steve Coleman (gleichfalls ein Mitproduzent) löste und auf sieben Alben seines JMT-Labels („Jazz Music Today“) von „Point of View“ (1986) bis „After the Beginning again“ (1992) dem exzeptionellen Alt der Künstlerin zu großer Charakterstärke verhalf.
Es war dann Craig Street, unter dessen Regie auf ihren ersten beiden Blue Note Alben „Blue Light till Dawn“, (1993, 400.000 Auflage) und „New Moon Daughter“, (1996) ihr Interpretationsradius noch weiter ausgreifen konnte. 
Essenzialistische Deutungen taten sich schwer damit, dass eine schwarze Sängerin neben Willie Dixon und Son House zugleich auch Joni Mitchell, Neil Young oder gar den Monkees etwas abgewinnen konnte. Und was! Nämlich Anverwandlungen aus der Tiefe des Blues auch solcher Stile, die damals als genuin „weiß“ gelesen pardon: gehört wurden. 
Die Prägung durch Wilson war so stark, dass man für ihre Identifikation selten mehr als vier Take brauchte - und dann das Staunen auslöste, welche Vorlage durch ihren Zugriff ja, nicht selten veredelt wurde. Durch ein rauh-weiches Alt, eigentlich ein Kontra-Alt, mitunter auch lasziv in Phrasierung und timing, unwiderstehlich: eine der ganz großen Stimmen des vokalen Jazz.
Eine Stimme, die Standards gesetzt hat.
Cassandra Wilson, geboren am 5. Dezember 1955 in Jackson/MS als Cassandra Fowlkes, starb ebendort am 2. September 2026. Sie wurde 70 Jahre alt.

Foto: Scott Penner, Wikipedia (Ottawa, 2008)
erstellt: 03.09.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

Er war und wird wohl auch bleiben: eine Fußnote in der Geschichte des Jazz.
Eine funkelnde, eine klanglich sprühende Fußnote; dynamisch gesehen in einer Hüllkurve (ADSR) mit steilem (A)ttack-Wert (Anstieg), raschem (D)ecay (Abfall) und langem (S)ustain (Halten) wie auch (R)elease (Freigeben).
Den steilen Anstieg kann man sehr genau datieren: Februar 1972, Different Fur Studios in San Francisco. 
Dort nämlich folgte Herbie Hancock einem Wink seines Produzenten David Rubinson: „Hör´mal, in der Rockmusik verwenden sie jetzt dieses neue Instrument, genannt Synthesizer. Vielleicht solltest du das auch mal ausprobieren!“
Was heute verwundern mag: der Meisterpianist (zu dem Zeitpunkt mehr noch am Flügel als am E-Piano) hatte keine Ahnung von dem elektronischen Zeugs, wie er gleichfalls in seiner Autobiografie „Possibilities“ mitteilt. 
Sehr zur Überraschung des von Rubinson empfohlenen Patrick Gleeson, Miteigentümer des Studios. 
Das Hippie-Welt hatte ihn 1967 zur Aufgabe einer Dozentur für Englische Sprache an der San Francisco State University verführt, hin zu allerlei Aktivitäten, für die er nicht ausgebildet war. Etwa zum Herumtüfteln an einem frühen Synthesizer, dem Buchla (heute noch in Berliner Elekronikkreisen im Einsatz) und dann 1968, unter dem Eindruck von Walter (inzwischen) Wendy Carlos „Switched on Bach“, der Moog.
Damals ein Schrank mit Kabeln und Drehschaltern, der mit viel Handarbeit abenteuerliche Klänge erlaubte. Man konnte sie nicht speichern und auch nur so ungefähr vorbestimmen, was später klanglich herauskommen sollte.
So ist dann im Februar 1972 „Crossings“ entstanden, und im Dezember jenes Jahres, sowohl bei Different Fur als auch bei Wally Heiders, das noch farbigere, noch mehr von Klangsprengseln auf offenen Funkrhythmen fortgetragene „Sextant“. Nunmehr mit dem praktikableren ARP 2600.
Ihr Reiz lag in der deutlichen Erweiterung des Klangraumes, ebenso in einer Kontraststellung dieser Klänge zu den Strukturen mitunter hart fordernden Grooves („Hornets“!). Insofern kommt beiden - „Sextant“ noch mehr als „Crossings“ - jazzhistorischer Status zu.
Hancock allein hat später an seinen Keyboard-Burgen kaum je an diese Dichte anschließen können. Was er heute macht, mutet demgegenüber fast wie ein schlechter Scherz an.
Die realisierten Klangfantasien, so aufregend sie damals waren, sie tragen einen Zeitstempel; solche Effekte möchte man heute nicht mehr einsetzen (obwohl manche sich doch immer wieder damit durchmogeln).
Gleeson hat seinen Farbbaukasten im gleichen Zeitraum anderen Mitgliedern des Hancock Sextetts zur Verfügung gestellt: Eddie Henderson („Realization“, 1973, und „Inside Out“, 1974), und Julian Priester („Love, Love“, 1983), die praktisch Zweitversionen waren.
Für Joe Hendersons „Black Narcissus“ (1975) zog er im Hintergrund sozusagen das große Bühnenbild auf, während vorne an der Rampe Joachim Kühn am Piano perlte.
Zunächst mit Julian Priester („Beyond The Sun: An Electronic Portrait Of Holst's The Planets“, 1976) tauchte er dann „Star Wars“, aber auch „Vivaldi“ tief in seinen Elektronik-Hall-Eimer und ging mehr und mehr in der Rolle als Produzent und Tontechniker auf (u.a. für „Apokalypse now“, 1979).
Ein letztes Aufflackern seiner Jazzleidenschaft dann 2007 mit Jim Lang in einem unter dem seltsamen Titel „Jazz Criminal“ gestrauchelten Versuch, an der Seite von Bennie Maupin, Wallace Roney, Ronnie Burrage u.a. an die Mittsiebziger anzuknüpfen.
Zwischendrin ist er dann zu dem wiedererstarkten Hersteller zurückgekehrt, sodass die Bob Moog Foundation heute seinen umfangreichsten Nachruf verbreitet.

Dr. Patrick Gleeson, geboren am 9. November 1934 in Seattle/WA, verstorben am 19. Juli 2026. Er wurde 91 Jahre alt.

Foto: Bob Moog Foundation
erstellt: 29.07.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

Dieses Lächeln. 
Kein anderer Jazzmusiker trat einem so zuverlässig mit diesem Ausdruck entgegen. 
Nicht auszuschließen, dass sich hinter dieser immer gleichen Form unterschiedliche Bedeutungen verbargen. 
Und, kein anderer Jazzmusiker, der als zweites so häufig in seine Umhängetasche langte mit der Frage „Hast du schon meine neue CD?“.
Oft auf seinem eigenen Label 7Dreams Records.
So lange schon war er in die Kölner Jazzszene integriert, dass die Verleihung des WDR Jazzpreises 2015 an ihn (in der Kategorie Improvisation) dann doch überraschend wirkte.
In die Domstadt war er 10 Jahre, nachdem er 1988 das (noch) sozialistische Rumänien verlassen hatte, über Wien gekommen, letzteres seine Eintrittsstation in die europäische Jazzwelt. 
Er spielte in Christian Muthspiels Octet Ost. Unter seinen mehr als 40 Alben als Bandleader sind noch zu seiner Wiener Zeit drei mit Thomasz Stanko, ab 1992 gehörte er zum Quartett von Mal Waldron.
An der Musikhochschule Bukarest hatte er Klarinette und Musikpädagogik studiert, Saxofon und Flöte später autododaktisch.
Er war, das kann man nicht anders sagen, ein moderner Multistilist, bis hinein in den Thirdstream, vielfach mit Bezügen zu seiner transsilvanischen Heimat.
Diese Bewegung prägte nicht nur seine letzten Lebensjahrzehnte. Zweimal erhielt er einen Preis des rumänischen Komponistenverbandes. Er veröffentlichte historische Aufnahmen des rumänischen Jazz. 
Noch am Tag vor seinem überraschenden Tod soll er im transsilvanischen Brașov auf der Bühne gestanden haben.

Nicolas Simion, geboren als Nicolae Simion am 15. Juni 1959 in Dumbrăvița bei Brașov, starb am 29. August 2026 in Brașov an seinem zweiten Herzinfarkt. Er wurde 67 Jahre alt.

Foto: Gerhard Richter
erstellt: 01.09.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

Wird das eine Berner Jazztradition?

Jedenfalls geschah die inoffizielle Übergabe des Staffelstabes sehr informell mit einem Bad in der Aare: 
Django Bates (Jazzpiano- und Kompositions-Dozent), der am Fluß lebt, übergibt an Benoît Delbecq, auf Wasserhöhe begleitet von Stefan Schultze (Leiter der Kompositionsabteilung).
De facto startete so das erste „epische Meeting“ zwischen Django und Benoît  in der Hauptstadt der Schweiz.
Letzterer ist gerade 60 geworden (was man ihm nicht ansieht).
Ersterer hat im Oktober letzten Jahres die Pensionsgrenze überschritten; er ist inzwischen Eidgenosse, arbeitet nur noch mit halber Stundenzahl und nimmt keine neuen StudentInnen an der Jazzabteilung der Hochschule der Künste Bern mehr an.
Delbecq übernimmt die andere Hälfte und wird ab September 2027 den vollen Job (15 Stunden wöchentlich) antreten, voraussichtlich für fünf bis sechs Jahre.
Der Empfang durch Django und das Team an der Hochschule sei „emotional überwältigend“ gewesen.
Auch Außenstehende dürften applaudieren, dass eine Jazzlehrstätte einen solchen Posten in Folge mit zwei der führenden Pianisten der Gattung in Europa besetzen kann.
Die selbstverständlich - das ist Standard in diesem Berufsfeld - nicht die eigene Ästhetik zum Gegenstand machen, sondern ihre Studierenden beim Suchen & Finden eigener Wege unterstützen. Ein Pianist wie z.B. Florian Favre lässt wirklich gar nichts von seinem einstigen Ausbilder Bates erkennen.

erstellt: 31.07.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

„Früher begann der Tag mit einer Schusswunde“, titelte Wolf Wondratschek, 83, seinen Debütband.
Das war 1969. Mit Sicherheit hatte er nicht seinen Geburtstag gemeint.
Und der gehört auch gar nicht hierher.
Denn hier geht es um einen der bedeutendsten Jazzpianisten der Gegenwart.
Und der wacht am 23. August 2026 auf, Brad Mehldau; es ist sein 56. Geburtstag.
Und als Mehrfachbegabung, die er ist, setzt er sich nicht an den Flügel, sondern beginnt ein Gedicht:
2:37 AM upon turning 56
Und lässt es alle Welt wissen. In seinem fabelhaften blog Watching Rome Burn.
JC ist schon lange aus der Übung mit der Gedichtinterpretation. Oder zu faul.
Und gibt einfach nur den letzten Vers wieder, auf Deutsch:

Es ist dein Drache, dein Hunger,
du kennst ihn nur zu gut.
Lieber dich selbst lieben,
sonst wirst du zu deiner eigenen Hölle.

erstellt: 24.08.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

JC beginnt diesen Nachruf aus gutem Grund mit demselben Video wie im Nachruf auf Wayne Shorter.
Es zeigt dessen unfassbar gut eingespieltes Quintett beim Montreux Festival 1996 (mit David Gilmore, g, Jim Beard, keyb, Alphonso Johnson, bg, Rodney Holmes, dr).
Von besonderem Interesse hier - neben der dichten, interaktiven Verknüpfung mit dem Ensemble durch Letzteren -  auch sein Solo (4:18-5:52).
Im zweiten Video beantwortet er vor großem Publikum die Frage nach dem "riff with the cowbell", eine seiner Techniken, die auch bei Wayne Shorters "Over Shadow Hill Way" zum Einsatz kommen.
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Es muss in den frühen 90ern gewesen sein, im Stadtgarten Köln. Wir erinnern uns nicht mehr so genau: mutmaßlich Gary Thomas, seit einiger Zeit „verstummter“ Tenorsaxophonist, war mit einem Quartett, darin Dennis Chambers, angekündigt. Stattdessen nahm ein gewisser Rodney Holmes am drumset Platz.
Die Enttäuschung verwandelte sich alsbald in Verwunderung: warum hatten wir noch nie von diesem jungen Mann gehört, für den der Status „Ersatzmann“ einer frivolen Untertreibung gleichkam?

An diesem Abend brannte sich eine Erfahrung ein, die im nachfolgenden Jahrzehnt als stabile Vorfreude immer wieder vorkam: als wir ihn dann sahen mit Jean-Paul Bourelly, mit Joe Zawinul, auf der „Return of the Brecker Brothers“-Tour.
Als der überlebende der beiden, Randy Brecker, am 19.09.25 spielend seinen Achtzigsten feierte, da wirkte er im Hintergrund mit.
Der Kollege Dave Weckl - bei vergleichbarer Technik weitaus berühmter - spendierte ihm ein sehr frühes testimonial:
„He came to me somewhere in the mid 80s for a drum lesson. He sat down and played for about five minutes. I literally told him there was nothing for me to show him, and to go home."(Dave Weckl auf Facebook).
Holmes hat keine der anerkannten Jazz-Ausbildungsstätten absolviert, er ist weitgehend Autodidakt. Als Teenager hatte er zwei Jahre in Georgia verbracht und an der Schule in Ermangelung einer Jazzband sich mit den Techniken des Marching Band Drummings vertraut gemacht. 

Sein erster Lehrer war ein Perkussionist, Frankie Malabe; Horacee Arnold als ausgesprochener drum teacher kam später.
Erster relevanter Jazzjob mit Clyde Criner, einem frühen schwarzen Fusion-Keyboardspieler, und dann: Jean-Paul Bourelly.
„That gig was really a major influence on the way I play today“, sagt er 1993.
Nämlich auch deshalb, weil Bourelly keine ride cymbals und hihat-patterns mochte.
In Anpassung an dessen Wünsche verhalfen ihm die bei Malabe gelernten Lektionen (Umsetzung von Percussion-Techniken auf drumset) zur Entwicklung eines eigenen Stiles. 
Gute Voraussetzung, so scheint es, für den ihn solchen Fragen offeneren Joe Zawinul:
„He wants his band to be like a basketball team where he would be able to pass the ball to anyone at any moment and feel comfortable and confident“ (in Modern Drummer, 1993).
Klingt das nicht wie eine andere Lesart des bekannten Zawinul-Mottos „we never solo - we always solo“?
Große Teile der 2000er Jahre verbringt er in den Bands von Carlos Santana, inkl. mehrerer Grammy-Nominierungen und -Auszeichnungen. Er soll außerdem bei Maceo Parker, Al Jarreau und den Rolling Stones mitgewirkt haben.
Rodney Holmes, geboren am 24. August 1966 in der Bronx, starb am 11. Juli 2026 an einem Krebsleiden, wenige Wochen vor seinem sechzigsten Geburtstag. 
Die Anteilnahme ist groß in Schlagzeugerkreisen, ansonsten gering. Außer einem deutschen hat er keinen weiteren Wikipedia-Eintrag.

Foto: Meinl
erstellt: 20.07.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

Wer seine Band „einwandfrei“ nennt, der kann kein schlechter Mensch gewesen sein.
Er ist damit schon mal durch seinen Humor verbürgt.
Und ein gehöriges Schmunzeln ist beim Durchblättern seiner Vita unvermeidbar.
Er hatte einfach ein Händchen für die Titelei.
Ein (Solo)-Musiktheaterstück „Die Kunst ein Schlagzeug aufzubauen“ zu nennen, in dem auf unterhaltsame Weise eine Geschichte des Schlagzeugs in Jazz, Rock und Pop erzählt wird - ist das von der sprachlichen Leuchtkraft nicht auf dem Niveau von „Die Angst des Tormanns beim Elfmeter“?
Nicht ganz schlecht (Marcel Reif) auch der Titel des Hörspiels „Wie wir den FreeJazz erfunden haben“ (2006) mit Rolf Becker als Erzähler. 

Das ist biografisch sogar beglaubigt.
Anfang der 60er nämlich traf Rauschtenberger in Wuppertal auf Brötzmann, der an der Werkkunstschule Grafik studierte:
„Das hat Dieter Fränzel eingestielt. ,Ich kenn´ da einen Saxophonspieler’, sagte er, ´mit dem müsstest du dich mal treffen´. Brötzmann hat mein Musikverständnis und mein Leben verändert.“ (WZ 13.08.20)
Freitags wurde „in einer Barmer Kneipe FreeJazz gespielt" - der Legende nach in Anwesenheit von Arbeitern, die hätten dort ihr Bier getrunken und „erstaunlicherweise unsere schräge Musik ertragen“.

Der Kurator Dieter Fränzel, 91, hat 2025 eine Art Selfie-Doku über die von ihm wesentlich angeschobenen „sounds like whoopataal“ anfertigen lassen, jene von den Amerikanern so getaufte legendäre Szene, der peu a peu die Teilnehmenden abhanden kommen.
Rauschtenberger gehörte dazu, an Schlagzeug und Saxofon, jedenfalls halb. Und als allzeit bereiter Diskutant.
Die Chuzpe eines Peter Brötzmann, trotz Familie alles auf die Karte FreeJazz zu setzen, in der sicheren Erwartung karger Jahre, die fehlte ihm.
Er hatte drei Kinder, er wurde Lehrer.
Und blieb bis ins hohe Alter, auch an Rollator und Krücken, dort, wo es sich zeigte, „whoopataal“ verbunden. Immer von Schwelm aus.
Im Gegensatz zu vielen, die sich damit betrügen, ihr politisches Engagement über den Irrweg ihrer Instrumente zum Ausdruck bringen zu können, blieb er in dieser Frage völlig unpoetisch: als Gründungsmitglied von Bündnis 80/Die Grünen und für diese in Gremien sowie vorübergehend auch im Stadtrat von Schwelm.
Im Frühsommer 2026 machte er mit dem Stellwerk Quartett seine letzten Aufnahmen, im Juni erschien sein jüngster Roman, "Blanck steigt aus".
Dietrich Rauschtenberger, geboren am 23. September 1939 in Schwelm, ist dort in einem Hospiz nach langer Krankheit am 9. August 2026 gestorben. Er wurde 86 Jahre alt.
erstellt: 11.08.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

Erste Assoziation: ein wirklich volltönendes Schlagzeug, weit über den Umfang eines normalen jazz drum set hinaus. Geradezu orchestral. 
Zweite Assoziation: das Album „Family of Percussion“, ein Solo-Album, 1975. Der Begriff „Familie“ bezog sich dort zunächst auf Perkussionsinstrumente aus allen Erdteilen, bedient nur von ihm, von einem perkussiven Weltenumrunderer.
Später, bis weit in die 90er Jahre, erfasste der Begriff dann auch etliche andere trommelnde sowie nicht-trommelnde Mitstreiter, darunter Trilok Gurtu, Archie Shepp, Albert Mangelsdorff, Wolfgang Dauner - es wurde ein Band/ein Projektname.
Noch eine Assoziation: die große Schweizer Drummer-Tradition Charly Antolini, Pierre Favre, Daniel Humair, Peter Giger mit heutigen Abzweigungen zu Lucas Niggli (der allerdings bei Fave studiert hat) und zu Christoph Haberer (aus dem benachbarten Alemannischen).
Mit der geografischen Nachbarschaft war das so eine Sache: in seiner Heimat hat Giger manches bewirkt (z.B. die Gründung der Swiss Jazz School, 1969), das meiste aber im benachbarten Ausland. 
Da gibt es die Pariser Jahre, ab 1960. Giger stammt aus Zürich, ist aufgewachsen in Bern und traf in der französischen Hauptstadt, nachdem er mit der Dixieland-Band Tremble Kids durch halb Europa gezogen war, auf den Pianisten Claude Bolling.
Die hörenswerte SRF jazz collection präsentiert ihn 2015 mit Teddy Wilson in einem traditionellen Swing aus jener Zeit, in astreiner Besentechnik, gefolgt von einem two Beat-Stück mit Brigitte Bardot - als Sängerin.
Obwohl er in den 60ern in Paris auf Duke Ellington trifft und Billy Strayhorn, auf Stéphane Grapepelli und Memphis Slim, es war ihm zuviel des Ähnlichen. Ein Auftritt von Pharoah Sanders Ende der 60er Jahre in Antibes mit einem afrikanischen Percussionisten verkehrt sein Welt, er übt wie verrückt, handwerklich und theoretisch und kehrt zurück nach Bern (s.o.)
1972 ein entscheidender Schritt, er geht nach Frankfurt, wird Mitglied der Ensembles um Albert Mangelsdorff - und wir lernen für den Zeitraum von mehr als zwei Jahrzehnten einen melodischen Schlagzeuger kennen, einen ausgesprochenen Stilisten.
Unvergessen der Auftritt von Dzyan, einem Powertrio mit Giger, Eddy Marron,g, Reinhard Karwatky, bg, beim Gründungskongress der UDJ (heute Deutsche Jazz Union), 1973 in Marburg, das einzige, groovende Ensemble.
Insbesondere durch die „Family of Percussion“ weitet sich sein perkussives Spielfeld, auch durch Besuche vor Ort, gen Afrika, 1993 auch theoretisch unterfüttert durch sein Buch „Die Kunst des Rhythmus“.  Er lehrt 12 Jahre an der Musikhochschule Köln, 1994 zieht er nach Meißen, um ein „Europäisches Museum für Perkussionsinstrumente“ einzurichten, ohne Erfolg. In Meißen erweitert er sein Arsenal um elektronische Klangerzeuger, von dem - das muss man sagen - die Szene wenig mitbekommt.
Überhaupt gerät der einst so Zentrale im neuen Jahrtausend out of focus. 2002 zieht er in den Tessin, kurz darauf  hört er wohl überhaupt auf zu trommeln und überlässt sich ganz seinem „zweiten Jugendwunsch“, nämlich nur noch zu malen (was ihn näher an Daniel Humair rückt).
Auf seiner Webseite stösst man unter „my paintings“ freilich auf einen toten link. Dort breitet er sich selbstbewußt (wie er immer war) aus als „a musicians drummer and a teachers teacher“  - und springt gnadenlos um mit den Schweizer Medien und der Kulturpolitik seines Herkunftslandes.
Außer einem Nachruf im SRF Radio nehmen die Qualitätsmedien in der Schweiz seinen Tod erstaunlicherweise nicht zur Kenntnis.
Dafür präsentiert er auf seiner Seite einen wohl geliebten & gehassten Freund, den großen Humanisten, Soziologen und Sozialdemokraten Jean Ziegler (1934-2026).
Wenige Tage vor ihm ist er selbst von uns gegangen.

Hans Peter Giger, geboren am 12. April 1939 in Zürich, verstarb am 27. Mai 2026. Er wurde 87 Jahre alt.

erstellt: 17.06.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten