Ethan Iverson zeigt sich in seinem blog Transitional Technology wenig überrascht, „denn der Pianist hatte seit einiger Zeit mit gesundheitlichen Problemen zu kämpfen.“ Das blieb auch in europäischen Clubs nicht verborgen, mehrfach ging ein Raunen um, das kommende Konzert könne das letzte gewesen sein. 
Iverson sieht Beirach im Verein mit Hal Galper und Jim McNeely, „und nun sind sie alle innerhalb eines Jahres nacheinander verstorben“.
Er erwähnt es nicht expressis verbis, aber seinen kurzen Analysen ist denn noch zu entnehmen, dass Beirach pianistisch unter den dreien die Nase vorn hat - was wohl als common sense gelten dürfte.
Umso erstaunlicher, dass die Todesmeldung nicht von den in solchen Fällen üblichen Quellen ausging, u.a. Wikipedia, down beat oder New York Times, sondern von der WDR Big Band kam (mit der er 2016 ein Album produziert hat) sowie aus der deutschen Provinz, von der Rheinpfalz in Ludwigshafen.
Beirach verbrachte, was vielen verborgen blieb, seine letzten Jahren im Verbreitungsgebiet, in Heßheim, ein paar km norwestlich von Ludwigshafen.
Dorthin zog es ihn, nachdem er mit Erreichen der Altersgrenze (65 plus zwei Extrajahre) an der Musikhochschule Leipzig pensioniert worden war.
Mit seiner Meisterstudentin Regina Litvinova und dem 2021 verstorbenen Schlagzeuger Christian Scheuber bildete er, so ist zu lesen, eine Art „Jazz-WG“ auf einem Hof in Heßheim.
„Hier mache ich die Tür auf, gehe zwei Schritte und bin in der Natur. Ich kann Sterne sehen. In New York konnte ich das nie“.
Dort kommt er her, aus Brooklyn, einem der fünf Stadtbezirke von New York City.
Mit fünf beginnt er mit klassischem Piano, mit 13 entdeckt er Red Garland - und schwenkt zum Jazz. Während seiner High School-Jahre soll er sogar von Lennie Tristano unterrichtet worden sein. Mit dieser biografischen Fußnote im Kopf verflüssigt die Jazztimes die genre-typische Einflußsuche bis in Beirachs Trio-Album „Eon“ (1975, mit Frank Tusa, b, Jeff Williams, dr):
„Beirach sprengte die scharfkantige Kargheit seines frühen Mentors zugunsten eines emotionaleren, leidenschaftlicheren, ja sogar theatralischen Klangs“.
Zu weitaus größerer Bedeutung gelangt zwei Jahre später ein anderes Trio auf „Elm“ (mit George Mraz, b, Jack DeJohnette, dr).
Es dürfte das einflussreichste seiner Karriere sein; Ethan Iverson greift zu den Sternen und zieht Chick Coreas „Now he sings, now he sobs“ (1968) zum Vergleich heran.
In frühen Jahren fiel Beirach mit harmonischen Umdeutungen auf, sein Umgang mit slash chords (Akkorde, in denen nicht der tiefste Ton den Grundton bildet) führt zu dem anerkennenden Spitznamen The Code.
Beirach galt als lern- und wissbegierig; den Job, in einer Band mal den Horace Silver zu geben (eine Todsünde im Jazz, gleichwohl oft praktiziert) lehnte er mit Hinweis auf seinen eigenen Stil ab.
Dazu brachte er beste Voraussetzung mit: ein Jahr am Berklee College of Music, dann aber 1972 ein Master an der Manhattan School of Music in Musiktheorie und Komposition.
Die professionelle Jazzwelt betrat er auf die harte Tour: bei Stan Getz.
Ein lebenslanger Partner in jenen Jahren, Anfang der 70er, wurde Dave Liebeman. Mit dem Saxophonisten begründete er langlebige Ensembles, darunter Lookout Farm und vor allem Quest (darin Billy Hart).
Und, nicht zu vergessen John Abercrombie.
Er hat vier Lehrbücher zum Jazzpiano verfasst, ab 2000 lehrte er 14 Jahre an der Musikhochschule „Felix Mendelssohn-Bartholdy“ in Leipzig, 2015 zog er nach Heßheim.
Gesundheitlich ging es ihm nicht gut in den 2020er Jahren, eine Spendenaktion erbrachte rund 35.000 Euro in diesem Zusammenhang.
Sein letztveröffentlichtes Album war „The World within“ 2023 in einem Quartett mit dem Düsseldorfer Saxophonisten Reiner Witzel, einem häufigen Partner der letzten Jahre.

 Richard Alan Beirach, geboren am 23. Mai 1947 in Brooklyn/NY, verstarb am 26. Januar 2026 in Worms. Er wurde 78 Jahre alt.

 erstellt: 27.01.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

Dass er das noch erleben muss…
Wenige Wochen nach seinem 85. Geburtstag, und nachdem er seit mehr als einem Dutzend Jahren mit dem Veteranen-Ensemble The Cookers (darin Eddie Henderson, Donald Harrison, George Cables u.a.) unterwegs ist, hat er einen vermutlich gut bezahlten Gig abgesagt.
Am Silvestertag war das Sextett für das Kennedy Center, pardon The Donald Trump and John F. Kennedy Memorial Center for the Performing Arts in Washington/DC gebucht.
Wie andere auch - beispielsweise die New Yorker Tanzkompanie Doug Varone oder die Folksängerin Kristy Lee - sind die Jazzmusiker mit der Namensänderung der renommierten Institution nicht einverstanden und begründen ihre Absage damit.
Wenngleich ihre Stellungnahme keine dezidierte Kritik am Center enthält.
„Jazz entstand aus dem Kampf und dem unermüdlichen Streben nach Freiheit: Freiheit des Denkens, der Meinungsäußerung und der uneingeschränkten menschlichen Stimme«, heisst es darin.
Auf Nachfrage der New York Times erklärt Billy Hart jedoch, die Absage hinge „evidently“/offensichtlich damit zusammen.
Ihre Aktion wurde postwendend quittiert vom jetzigen Leiter des Centers, dem aus seinen Tagen als US-Botschafter unter Trump I in Berlin berühmt-berüchtigten Richard Grenell, als „politischer Stunt“.

erstellt: 30.12.25
©Michael Rüsenberg, 2025. Alle Rechte vorbehalten

PS (13.01.26) down beat meldet, die Band habe durch einen Spendenaufruf zum Ausgleich ihres ausgefallenen Kennedy-C-Honorars 24.747 $ erzielt. Sie ist also nicht ins "Bergfreie" gefallen (wie man im Ruhrgebiet zu sagen pflegte).

„Niemals zuvor hat ein einzelner Mensch solch wunderschöne Musik komponiert, einen Triumph menschlicher Kreativität, und sie einem weltweiten Publikum zugänglich gemacht. Er war einer der größten Menschen, nicht nur aufgrund seines künstlerischen Geistes, sondern auch aufgrund seines großzügigen und großmütigen Charakters.“
Die Webseite eines Verstorbenen, die - ohne weitere Autorenangabe - einen solchen Text enthält, setzt sich dem Verdacht des Hochmutes aus. Eben weil man nicht weiß, wer hier spricht (vielleicht ist es die Witwe Mariella Lo Sardo).
Aber, die Trauerrede ist aus einleuchtenden Gründen eine besonders subjektiv geprägte Textsorte. Und seltsamerweise, auch wer den persönlichen Schmerz nicht teilt, weil er auf öffentlichen Foren lediglich die Künstlerseite des Verstorbenen kennengelernt hat, wird ihr in diesem speziellen Falle die Zustimmung nicht versagen.
Ganz gewiß nicht dem musikalischen Gehalt der Aussage; viele werden ihn für wahr halten, weil sie ihn so empfunden haben. Und da wir uns den bedeutenden Künstler gerne auch als guten Menschen vorstellen (trotz nicht seltener Gegenbeispiele), tun wir das ganz besonders in diesem Falle, denn:
Ralph Towner war ein sympathischer Mensch.
In einer Gattung, die oberste Priorität der Artikulation eines eigenen Ausdrucks einräumt, hat er das Optimum erreicht. Noch dazu auf einem Instrument, das Instrumentalkollegen nur nebenher in die Hand nehmen: die akustische Gitarre, ganz zu schweigen von deren 12-saitiger Ausfertigung.
Ein sehr schweres Zeichen setzt er damit im November 1971 in den Columbia Studios zu New York City, bei der Produktion eines Albums mit dem völlig gegenläufigen Titel „I sing the Body Electric“ (von Weather Report). In der Wayne Shorter-Komposition "The Moors" nimmt die Introduktion von Towner mit allerlei Tonbeugungen, Flageoletts und stop times fast die Hälfte des Stücke ein.
Zu diesem Zeitpunkt lebte er schon drei Jahre im big apple, hatte längst den Schwerpunkt seines Interesses von der Saitenbehandlung mittels Tasten auf unmittelbares Händewerk verlegt - ohne ersteres völlig aufzugeben.
Etliche Jahre später, 1982, auf "Blue Sun", einem seiner Solo-Alben, umfasst die Liste der verwendeten Instrument alles, was er gelernt, eingehend studiert und sonstwie sich angeeignet hat: „12-String Guitar, Classical Guitar, Piano, Prophet 5 Synthesizer, French Horn, Cornet, Percussion“.
„Ich habe die Gitarre immer wie ein Tasteninstrument behandelt. Der Trick bei einigen der komplizierten Akkorde ist, dass man nur sechs Saiten hat und das Spielen von sechs Noten nicht unbedingt kompliziert ist. Aber mir half dabei mein Studium der Barockmusik und Bach-Choräle am College und das Erlernen des Einsatzes von geschlossenen und offenen Stimmen, also wie man mit weniger Stimmen etwas Größeres andeuten kann“ (in Joel Harrisons Guitar Talk, 2018).
Da kam er her, von dem Tasteninstrument schlechthin, vom Piano. Er konnte es tagtäglich hören, daheim in einer KLeinstadt südwestlich von Seattle. Die Mutter, Klavierlehrerin, unterrichtete zu Hause, der Vater spielte Trompete.
An der University of Oregon hat er beides studiert. Seine ersten Jobs hatte er als Jazzpianist, beeinflusst von Bill Evans.
Die nicht-verstärkete Gitarre mit ihren je nach Lage wechselnden Farben „wählte ihn“, wie der Tagesspiegel insinuiert, als er einen Kommilitonen darauf mit Bach-Werken hörte. Er studierte das Instrument in seiner klassischen Form in Wien 1963/64 und 1967/68, bei dem renommierten Lehrer Karl Scheit.
1968 zieht er nach New York, zusammen mit dem Bassisten Glen Moore, mit dem ihn kurz darauf eine fast lebenslange Kooperation verbinden sollte, mit der Fusionsgruppe Oregon. In Woodstock, 1969, begleiten die beiden einen weiteren fellow Oregonian, den Folksänger Tim Hardin (1941-1980).
Ab den 70ern wächst sein Werk in einer Breite, die sich in einem kurzen Nachruf kaum kartieren lässt: Paul Winter Consort, Oregon, John Abercrombie, Gary Burton, Jan Garbarek, Eberhard Weber, Dave Holland und und und…
Allein zwei Dutzend Alben unter eigenem Namen veröffentlicht er auf ECM.
Das letzte „First Light“ (2023) konzentriert noch einmal, was ihn als Gitarristen ausmacht.
„Die Gitarre ist ein so gutes Soloinstrument; man hat das Gefühl, eine Art Ensemblemusik zu spielen, aber ganz allein“, 2017 gegenüber der Jazztimes geäußert, hier löst er es, erneut, ein.
Ein enges Wechselspiel aus lines und Akkorden, aus Jazz- und klassischen Techniken, weit weg von den Triolengeschossen eines Pat Martino, in einer Kammermusik eigener Art. Die swingt.
Er war, was nur wenige wussten, in den letzten Jahrzehnten seines Lebens dem wohl größten Magneten seiner Musik nahe, Europa. Seit den frühen 90ern lebte er zunächst in Palermo, dann in Rom; 1994 heiratete er die Schauspielerin und Dramatikerin
Mariella Lo Sardo.
Ralph Towner, geboren am 1. März 1940 in Chehalis/WA, verstarb am 18. Januar 2026 in seiner Wahlheimat Rom. Er wurde 85 Jahre alt.

Foto: Paolo Soriani
erstellt: 19.01.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

Unter älteren Semestern (wer zählt in unserer kleinen Welt nicht dazu 😉😜?) ruft der Name pfeilschnell Assoziationen an die 70er hervor.
Das ist richtig.
Z.B. „New Violin Summit“, als Joachim Ernst Berendt bei den Berliner Jazztagen 1971 vier Violinisten eine Rhythmusgruppe in der ihm typischen, verwegenen Auswahl zur Seite stellte (Neville Whitehead, bg, Terje Rypdal, g, Robert Wyatt, dr).
Drei der vier Spitzenfiddler - heute undenkbar - waren dem Publikum immerhin aus den Tourneen jener Jahre vertraut (Michal Urbaniak, Don „Sugarcane“ Harris, Jean-Luc Ponty).
Zusammen mit seiner damaligen Frau, der temperamentvollen Sängerin Urszula Dudziak, repräsentierte er damals auch die liberale Kulturpolitik eines Ostblocklandes, nämlich Polen (wohingegen wir immer die restriktive DDR als Gegenbeispiel mitdachten).
Er blieb der Pole auf eurpäischen Bühnen auch, nachdem er 1973 in die USA übergesiedelt war.
Die 70er Jahre Assoziation, sie ist aber auch unvollständig, erheblich unvollständig. Es gab ein Leben in den USA für den Geiger, der frühzeitig auch schon Altsaxophon gelernt und bis ins hohe Alter Tenorsaxophon gespielt hat.
Dazu auch Lyricon, einen frühen Synthie-Controller für Bläser.
Sein Feld in Amerika wurde noch mehr „Fusion“, wie schon 1974 der Titel eines seiner Alben lautete. 1986 gastiert er für ein Stück auf Miles´ „Tutu“, 1987 bei „Musik from Siesta“ (Marcus Miller/Miles Davis). Vorher bei Billy Cobham („Stratus“, 1981), später bei Paul Bley („Rejoicing“, 1984).
Dazwischen viel Funk, daneben eine Reihe von Mainstream-Alben für das Steeple Chase Label.
Von vielem, so hat es jetzt den Anschein, haben wir in Europa wenig Kenntnis erlangt.
Michal Urbaniak, geboren am 22. Januar 1943 in Warschau, verstarb am 20. Dezember in den USA. Er wurde 82 Jahre alt.

erstellt: 22.12.25
©Michael Rüsenberg, 2025. Alle Rechte vorbehalten

Es ist der Gründungspianist der Band, Ethan Iverson, der in seriöser Form die Nachricht überbringt.
Die beiden anderen Mitglieder der lange als Trio agierenden Band - Reid Anderson, b, und Dave King, dr - stammeln Nämliches in einem selfie vor der eisesstarren Kulisse von Minneapolis:
„2026 is gonna be the last year of The Bad Plus“.
In der Folge 565 seines aufschlussreichen blogs Transitional Technology bedauert Iverson zunächst, dass die beiden vom Reststamm in ihrer „Botschaft“ vergessen hätten, die andere Hälfte der letzten Besetzung der Band als Quartett (Ben Monder, g, und Chris Speed, ts) zu erwähnen.
(Er selbst hätte gerne aber auch an seinen Nachfolger denken können, an Orrin Evans).
Was sich in diesem langen post zunächst wie eine Kollegenschelte ausnimmt, wechselt nach einem Zwischenschritt aber doch die Farbe, hin zu einem versteckten Selbstlob.
Der Zwischenschritt: die Abschiedstournee, nach 26 Jahren The Bad Plus, wird einen Grundgedanken der Band herausstellen: covers.
Zusammen mit Chris Potter, ts, und Craig Taborn, p, werden Anderson & King ab dem 3. März 2026 die Musik von Keith Jarretts Amerikanischem Quartett (mit Charlie Haden, b, Dewey Redman, ts, Paul Motian, dr) neu interpretieren.
(Erste deutsche Station: 29.03. Monheim am Rhein.)
Hatten wir das nicht jüngst, jedenfalls so ähnlich?
Richtig, Branford Marsalis spielt „Belonging“, mithin das Europäische Quartett.
„I´m a Keith Jarrett fan“, bekennt Iverson - hält aber dessen Kompositionen bestenfalls als gut geeignet für dessen „herausragende Bands“:
„Jarrett ist sicher kein Ornette Coleman oder Thelonious Monk, wenn es darum geht, sofort einprägsame Melodien zu komponieren.“
Und nun folgt der Farbwechsel in seinem Beitrag, der darin gipfelt, den BP-Bassisten zu promovieren:
„Certainly Reid Anderson is a better tune-writer than Keith Jarrett!“
Erst dann folgt der Hauptteil. Darin wendet Iverson sich dem Titel seines Beitrages zu „Structural Features of Early Bad Plus“.
Im Mittelpunkt das, was die Band populär gemacht hat, nämlich Rockmusik-covers.
Das liest sich gut auf Papier oder Monitor. Wer´s nachhört, mag dem nicht so recht folgen.

erstellt: 18.01.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

First things first: unter allen, die je eine Jazzbühne betraten, auf sie schlurften oder sich ihr Stolz-geschwellt bemächtigten - sie war der freundlichsten eine.
Und wenn Klavs Hovman, ihr Bassist und Witwer, seinen Nachruf auf ihrer Webseite schliesst mit den Worten:
„She has been a great inspiration to countless people — not least to female musicians“,
dann hat er sicher kaum übertrieben.
Vier Jahre lang, von 1985 mit Unterbrechungen bis 1989, war es ihr gelungen, auf einer vorher und nachher uneinnehmbaren Zitadelle zu spielen, im Machismo-Lager des Jazzkönigs Miles Davis.
Möglicherweise waren für das, was Hovman meint und was wir mit „weibliches Rollenmodell“ auslegen wollen, dann doch 16 Alben auf ECM, darunter mehrere mit Jan Garbarek, anschaulicher.
Aus gegebenem Anlass, wenn man ein paar Schritte zurücktreten und die eigenen Erfahrungen mit Hilfe derer von anderen ergänzen muss, werden die Umrisse einer frappierenden Karriere sichtbar. Garbarek und Davis, das sind schon Pole, aber das Feld weitet sich noch mehr, wird geradezu bizarr, wenn man - neben etlichen Skandinaviern wie Pierre Dørge oder Jon Balke - Eberhard Weber hinzufügt,
Wayne Shorter, Gil Evans, Charlie Mariano, Andreas Vollenweider sowie … Peter Kowald („Duos Europa“, 1991) und die Feminist Improvising Group.
Das große Arsenal an Perkussionsinstrumenten hat sie sich weitgehend autodidaktisch erarbeitet. Es war ein Abschied peu a peu von den Rollen als Pianistin und Tänzerin, in Kopenhagen.
Dorthin war sie im Alter von 6 Jahren mit der Familie gezogen, aus Gründen der Rassendiskriminierung hatte die Tochter einer polnisch-stämmigen Mutter und eines afro-amerikanischen Vaters (Stefan Hentz hat´s in seiner kommenden Miles Davis-Bio genau anders herum) mit ihren Eltern und ihrer Schwester das heimische New York verlassen.
Aus Tournee-Gründen ist sie in den 80ern vorübergehend dahin zurückgekehrt. Die Entdeckung durch Miles Davis geschah in Kopenhagen, es war eigentlich eine Empfehlung durch Palle Mikkelborg, der um seinen berühmten Kollegen für das Album „Aura“ ein dänisches Team (plus US-Gäste) geschart hatte.
Sie wurde mit etlichen Preisen ausgezeichnet, darunter die renommierten Ben Webster Prize (1983) und Jazzpar (2001).
Ihre letzte Band war, ähnlich wie in den Jahrzehnten zuvor die Feminist Improvising Group, eine reines Frauenensemble, darin u.a. Josefine Cronholm und die aufstrebende Hildegunn Øiseth.
Marilyn Marie Douglas Mazur, geboren am, 18. Januar 1955 in New York City, verstarb „nach langer Krankheit“, wie es heisst, am 12. Dezember 2025 in Kopenhagen. Sie wurde 70 Jahre alt.

erstellt: 16.12.25
©Michael Rüsenberg, 2025. Alle Rechte vorbehalten

Wie die Rheinische Post heute - nach einem Gespräch mit der neuen Bürgermeisterin Sonja Wienecke - meldet, "(ist) mit dem Aus der Monheim Triennale (...) eines der sichtbarsten Kultur-Markenzeichen der Stadt vorerst Geschichte."
Überraschend kommt das nicht.
Das Menetekel, am 5. Juli 2025 ward es nicht projiziert auf die riesige Wand im Kinopalast „Emotion“ zu Monheim - darüber liefen Bilder & Töne des wohl größten opus von der kurzlebigen Monheim Triennale: „Every Note you play“, die Film-Dokumentation von Mika Kaurismäki über die Edition 2024, nun am eigentlichen Ort, zur richtigen Zeit, am vorletzten Tag dessen, was sich als finale Ausgabe herausstellen sollte.
Das Mentekel, es machte sich immateriell bemerkbar; es schwebte als traurige Gewissheit über der Vorführung, bevor man die Plätze eingenommen hatte, es ließ hernach die matt-zukunftsfreudigen Äußerungen der beiden Protagonisten - Bürgermeister Daniel Zimmermann und Triennale-Chef Reiner Michalke, noch dazu vor einer Nachbildung der Blues Brothers - als spezifische Variante von Galgenhumor erscheinen.
Der Sound dieser Gewissheit, es war das Vorecho der NRW-Kommunalwahl im September 2025. Von Zimmermann war bekannt, dass er sich nicht mehr zur Wahl stellt, und von der prospektiven Nachfolgerin, der von mehreren Parteien getragenen Sonja Wienecke, war gewiss, dass sie dem Festival in der inzwischen hochverschuldeten Stadt kritisch gegenüber steht.
Die Monheim Triennale, das war in zwei Zyklen, überschrieben The Prequel, The Festival und einmal The Sound (u.a. mit dem kostspieligen Robert Wilson), über fünf Jahre das Produkt der kulturellen Geistesfreundschaft von Michalke & Zimmermann. Ein ambitioniertes Metropolenprojekt in einer kreisangehörigen Stadt von 45.000 Einwohnern, das - was in einer Metropole gar nicht möglich wäre - zugleich über die ständige Anwesenheit eines künstlerischen Repräsentanten (Achim Tang) in das Wurzelwerk lokaler Musikkulturen zu gelangen suchte. Wie nicht nur Kaurismäkis Film zeigt, mit Erfolg.
Von Großzügigkeit geprägt schon der „Spatenstich“ in Monheim, an Rhein-km 714.
Im März 2020 führt Michalke (nach den Jahren 2006-2016 beim Moers Festival und bizarrem KleinKLein mit der Stadtverwaltung) als erster Triennale-Intendant durch die Ruine der einst modernsten Schmierölraffinerie Europas.
Sie sollte umgebaut werden zu einem hoch-variablen Veranstaltszentrum, zur Kulturraffinerie K714, worin auch die Monheim Triennale Unterschlupf finden soll, mit ihrer von ihm sehr spezifisch ausgelegten „Aktuellen Musik“.
Die Bühne auf der MS Rheinfantasie, jeweils temporär verankert in Höhe der berühmt-berüchtigten Ikone der Stadt, des künstlichen Geysirs, sollte lediglich als Refugium der Wartezeit dienen. Das Schiff bleibt, neben Kleinodien am Ufer, nun als Hauptspielort in Erinnerung.
Kaum denkbar, dass irgendetwas Triennale-artiges im K714 nach der Eröffnung im September 2026 erklingen wird. Nachdem die Bürgermeisterin als Vorsitzende des Aufsichtsrates der Triennale GmbH im Blick auf eine Entscheidung des Gremiums von Mitte Dezember heute so zitiert wird:
„Zur Kündigung des Intendanten verweist Wienecke darauf, dass diese Personalentscheidung im nicht-öffentlichen Teil des zuständigen politischen Gremiums getroffen und dort begründet worden sei“ (RP).
Also, nichts Genaues weiß man nicht.
Hintergrund ist die in Monheim besonderes angespannte Haushaltslage, hier speziell die drastisch sinkenden Gewerbesteuereinanhmen. „Auch welche weiteren Kulturangebote oder Kunst im öffentlichen Raum auf dem Prüfstand stehen, bleibt vorerst offen“ (RP).
Offen auch, was die Kündigung bedeutet; immerhin hat Michalke einen Vertrag als Triennale Intendant bis 2029.
Es wäre vielleicht ein analoger Vorgang zu der „Rückabwicklung des Ankaufs eines Kunstwerks für den öffentlichen Raum der Künstlerin Alicja Kwade“.

erstellt: 06.01.26
©Michael Rüsenberg, 2026. Alle Rechte vorbehalten

 Die Todesnachricht entnehmen wir der New York Times.
„Phil Upchurch, Jazz Guitarist and Sideman to Stars, dies at 84“.
Die Überschrift ist treffend, (fast) alles im Text auch.
Aber was hören wir als Erstes?
Wir hören das, was die NYT auslässt: „Whatever happened to the Blues“, das 1992 entstandene, mutmaßlich beste Album eines Musikers, der (Michael Naura würde in der ihm eigenen Diktion der NYT zustimmen), der „sehr gut im Mittelfeld“ lag.
„Whatever happened to the Blues“ war die optimale Schnittmenge aus dem Zusammentreffen des Gitarristen mit Ricky Peterson, keyb, und dem weißen Kenner der afro-amerikanischen Musik, Ben Sidran, auf dessen GoJazz-Label.
Unter diversen Vorzeichen (schon der Nachfolger „Love is Strange“, 1995, wirkt dagegen verflacht) wird da ein Panorama des Rhythm & Blues entfaltet, das beinahe mit jedem track in „amtlicher“, gleichwohl frischer Inszenierung glänzt.
Ein Klassiker von James Brown ist darunter, „I don´t want nobody to give me nothing“ mit Original Brown-Personal, nämlich Clyde Stubblefield, dr, sowie den Hörnern Maceo Parker, Pee Wee Ellis und Fred Ellis.
Und es groovt, groovt, groovt ohne Ende: vom Gospel „The Tide keeps lifting me“ mit den Staple Singers, über einen um einen Beat bereinigten, auf 5/4 gestutzten „All Blues“ (Miles Davis).
Bis hinauf auf den Gipfel „Face to Black Tie“, wo Ricky Peterson, sein Bruder Paul (g, bg) sowie der Prince-Drummer Michael Bland dem guten Upchurch mit seinen Blues-licks einen Millimeter-Papier-Funk unterjubeln, der ihm sonst vermutlich nicht eingefallen wäre.
Er fällt aus dem Rahmen einer Karriere, der verlässlich von Blues-Farben koloriert war.
„Without some blues, ain’t nothin’ happening,” soll er der Los Angeles Times 1996 gesagt haben. “If you don’t dig the blues, you got a hole in your soul.”
Man möchte dieses Motto nicht einem jeden empfehlen, aber ihn hat es mit seinem klassisch-trockenen Blues-Ton gut durch die Zeiten getragen. Von Muddy Waters, Howlin´ Wolf und Etta James bis zu Michael Jackson.
Unter den wohl 1.000 Studiosessions waren auch welche mit Bob Dylan, Dizzie Gillespie und Cannonball Adderley. Sogar einen Ausflug zu Cassius Clay aka Muhammed Ali  auf dessen Comedy-Album „I am the greatest!“ (1963) hat er gut überstanden.
Seine stilistische Bilanz ergibt sich aus einem weiteren Zeitungszitat:
„Ich habe mich selbst nie als ‚Jazzmusiker‘ im Sinne des Swing-Jazz gesehen. Ich wollte immer eher funkigen Jazz spielen als geradlinigen Bebop.“

Philip Rodney Upchurch, geboren am 19. Juli 1941 in Chicago, verstarb, wie erst jetzt bekannt wurde, am 23. November 2025 in Los Angeles. Er wurde 84 Jahre alt.

 erstellt: 13.12.25
©Michael Rüsenberg, 2025. Alle Rechte vorbehalten